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Película – Gracias por la lluvia
En los últimos años la región ha estado atravesando una larga sequía, forzando a muchos otros agricultores a buscar trabajo en la ciudad para mantener a sus familias. Sorprendentemente, cuando llegan las lluvias estas son tan torrenciales y breves que se producen inundaciones masivas. Kisilu intenta que sus vecinos se den cuenta, e incluso intenta encabezar una campaña de plantación de árboles, pero se ha encontrado con la apatía colectiva y la resignación.
En 2010, Kisilu, un agricultor keniano, comenzó a utilizar su cámara para documentar la vida de su familia, aldea y los estragos que está causando el cambio climático en ella. Una violenta tormenta cruza su camino con el de la cineasta noruega Julia Dahr. Kisilu fue invitado a participar en la Cumbre de París (COP21) de 2015 por mediación de Julia Dahr y de la asociación ecologista Spire e aportar su visión sobre los estragos del cambio climático en su comunidad.
A través de la historia de su protagonista, Gracias por la lluvia (Thank You For The Rain) aborda diversos aspectos relacionados con el cambio climático, tales como la justicia climática, educación, acceso al agua, refugiados climáticos o la adaptación. En el acuerdo de París de 2015, 195 países se comprometieron a que la temperatura no suba más de dos grados a finales de siglo, y si es posible no más de 1,5ºC.
En su búsqueda para atajar el cambio climático, la defensa, Kisilu fue muy singular con su causa y su lucha. Inicialmente paso un buen tiempo movilizando y abogando por la plantación de árboles como un medio para luchar contra el cambio climático. Incluso cuando sabía que los voluntarios de sus grupos de plantación de árboles estaban en la misma situación que él: el de no ganar nada a pesar de tener familias para alimentar, plantar árboles era un recurso de beneficio colectivo. Él protagonista en la película argumenta «que para lograr el cambio uno debe estar dispuesto a pasar por alto algunas verdades objetivas y presionar por su causa».
«Gracias por la lluvia» se exhibe como parte de la actividad de El Documental del Mes que lleva cada mes un documental a casi un centenar de salas en toda España y algunas capitales latinoamericanas. Con motivo de la XXI Conferencia sobre el Cambio Climático, el protagonista del documental intentar tener voz en las conversaciones sobre el clima y dar un giro de 180 grados a las políticas medioambientales. En las entrañas de la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático de Paris, Kisilu se entera de cómo es el verdadero rostro de la apatía del cambio climático. Pero en medio de esta impenetrable lógica de las grandes negociaciones políticas, en el marco del show ambiental más grande del planeta, la relación entre la directora del filme, la noruega Julia Dahr, y Kisilu cobra una nueva dimensión y une los mundos opuestos que los dos personajes representan– norte y sur- en una misma lucha por la justicia climática.
Dhar nos propone un documental con numerosos hilos narrativos integrados entre sí, incluidos pequeños trozos de autoinserción para explicar cómo comenzó a seguir a Kisilu. Gracias por la lluvia funciona principalmente como un alegato apasionado por la acción contra el cambio climático. Como activista, Kisilu trabaja incansablemente para llamar la atención y marcar la diferencia, y el documental nos muestra sus esfuerzos y los obstáculos cada vez más grandes ante la indiferencia global. Kisilu abandonó la COP21 antes de que finalizara.
Ficha técnica del documental
Julia Dahr es directora y productora noruega, apasionada por las historias que pueden llevar a la acción sobre temas sociales y medioambientales de una nueva forma, cuestionar estereotipos y crear un impacto. En 2015 ganó el premio One World Media, fue nominada al premio Grierson y fue catalogada por la revista Forbes como una de las treinta mejores menores de 30 años que «conduce y define el rumbo de los medios a nivel mundial». Thank You For The Rain es su primer largometraje.
Directora: Julia Dahr
Producción: Hugh Hartford
Producción ejecutiva: Sabine Bubeck-Paaz
Video diario: Kisilu Musya
Fotografía: Julie Lunde Lillesaeter
Guión: Julia Dahr, Hugh Hartford
Edición: Adam Thomas
Música: Chris White
Sonido: Julia Dahr, Svenn Jakobsen
Diseño gráfico: Jenny Jordahl
Género: Documental
País: Noruega y Reino Unido
Duración: 87 min.
Año: 2017 (estreno en España, marzo, 2018)
Distribución en España: El Documental del Mes
Fuente original de la noticia:
https://www.terra.org/categorias/peliculas/gracias-por-la-lluvia
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Entrevista a Julia Dahr
https://www.elmostrador.cl/cultura/2018/07/18/gracias-por-la-lluvia-el-documental-que-revela-la-grieta-entre-poderosos-y-pobres-frente-al-cambio-climatico/
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Aquí puedes ver la película por 1,99€:
https://rakuten.tv/es/movies/gracias-por-la-lluvia
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Si no vas a poder ver la película en inglés te ofrezco la posibilidad de ver los 10 últimos minutos con subtítulos en castellano. Este fragmento es muy útil si quieres trabajar este tema en el aula:
Película – El gran debate / The great debaters
El gran debate (2007), dirigida por Denzel Washington, es una película basada en la historia real, del recordado profesor Mel Tolson, quien fue considerado uno de los mejores poetas afroamericanos que en la década de los años 30, fue un profesor en Wiley College de Texas, una universidad de alumnos negros, dictando el curso de historia Afroamericana. El profesor Tolson (protagonizado por el mismo Denzel Washington) está empeñado en hacer valer los talentos de la entonces subestimada juventud negra, en medio del opresivo ambiente de discriminación racial que imperaba en esa época, donde el linchamiento de los negros por parte de los blancos no era algo excepcional.
Pese a este contexto discriminatorio de tensión racial, el profesor Tolson, un inquebrantable defensor por los derechos de los negros, estaba convencido del poder del conocimiento para que la nueva generación de afroamericanos lograse el reconocimiento y respeto de la población blanca. Así, logro seleccionar, animar y preparar a un grupo de estudiantes para conformar el primer equipo de debate del College Wiley de Texas, a fin de competir con los equipos de otras universidades más prestigiosas.
El momento crucial de esta historia tiene lugar cuando los debatientes del College Wiley, la pequeña universidad de alumnos de color, son invitados a competir, por el campeonato nacional de debates, con los invictos campeones blancos de la Universidad de Harvard, para discutir el tema del ejercicio de la desobediencia civil; mientras que el equipo visitante defiende el derecho de ejercerlo, tomando como ejemplo el caso de Ghandi –el ideólogo de la no violencia-, sus contrincantes locales opinan lo contrario. El film alcanza, aquí, su momento más logrado y significativo. Mediante un ejercicio de argumentos lógicos y racionales, al más puro estilo de los oradores clásicos, se defienden y contraponen argumentos sobre la cuestión de la controversia. Excelente ejemplo de retórica, de lucha y perseverancia frente a la adversidad. Una lección de humildad a toda prueba, digna de ser vista y admirada.
Fuente original: http://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20110803184135AAKNI73
Video con el debate final subtitulado al castellano: https://www.youtube.com/watch?v=H2LAv6tXTxU&feature=youtube_gdata_player
Más información para utilizarla en clase: http://tienequevercontigo.blogspot.com.es/2011/04/los-grandes-debatientes.html
Official site: http://www.thegreatdebatersmovie.com/site.html
Corto: Aquel no era yo
INTRODUCCIÓN
Cortometraje escrito y dirigido por Esteban Crespo, protagonizado por Alejandra Lorente, Gustavo Salmerón, Babou Cham, Mariano Nguema, Alito Rodgers entre otros, que muestra la dureza de una realidad, la de los niños y niñas soldado y lo que muy pocas veces vemos, sus secuelas. Cómo dice un ex niño soldado del conflicto de Sierra Leona: “Ser un soldado no es difícil: o te acostumbras o te matan. Lo más duro es conseguir vivir con tus recuerdos y volver a ser tú mismo después de haber hecho las cosas que has hecho”. Y por otro lado, el deseo de homenajear la labor altruista y llena de ideales de las personas que arriesgan la vida por mejorar la de los demás.
Apóyla y difúndelo en: http://www.lanzanos.com/proyectos/aquelnoerayo/
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El director y guionista español Esteban Crespo denuncia en su nuevo cortometraje ‘Aquel no era yo’ (Producciones Africanauan) la situación que viven los más de 250.000 menores de 18 años que, en la actualidad, son utilizados como soldados para participar activamente en conflictos armados en 21 países del mundo y refleja la «entrega» de los cooperantes.
El corto narra en 25 minutos la historia de Paula (Alejandra Lorente), una cooperante española y Kaney, un niño africano que, a pesar de su corta edad, porta un fusil en la mano como el resto de sus compañeros, niños soldado. La vida de ambos se cruza cuando Paula decide acompañar a su pareja, Juanjo (Gustavo Salmerón), hasta África para rescatar a algunos de estos niños y un disparo cambia sus vidas para siempre.
A Crespo se le ocurrió la idea del corto cuando vio a un adulto que había sido niño soldado relatar su historia. «Remordimientos, vergüenza y ser conscientes de todo lo que hicieron» son, según indica el director, los sentimientos de una persona que vivió aquello y que fácilmente pudo matar a 30 personas a sangre fría y sin titubeos.
De hecho, el hilo conductor del cortometraje es la narración que Kaney hace de la historia frente a un auditorio de cientos de personas varios años después de los hechos. Así, se observa cómo, poco a poco, va explicando por qué hizo lo que hizo bajo las órdenes del general del Ejército Rebelde al que, en el fondo le consideraba su familia.
En una entrevista concedida a Europa Press, Crespo, que fue cooperante durante un tiempo en Guinea Ecuatorial, Namibia y Zimbabwe, y, por ello, conoce de cerca la realidad del continente, ha afirmado que para estos niños la revolución «lo es todo» y el Ejército, no sólo sus generales, sino también el resto de niños, son «su familia». «Creen que están salvando su país y que su país sin ellos no puede salvarse», explica.
Además, al ser pequeños «son fáciles de convencer, no se hacen preguntas, no se niegan a hacer nada y, en general, son huérfanos». A su juicio, estas son las claves para que se dé esta práctica perversa en tantos países, no sólo de África sino también del continente asiático y americano. «Se lo creen y actúan en consecuencia, les da igual la vida de los demás», indica.
El director de ‘Aquel no era yo’ desearía hacer conscientes a los españoles y a todo el mundo de que esta realidad «no es una cosa del pasado» sino que sigue sucediendo en la actualidad, incluso en países que, según ha apuntado, «sorprenderían».
Hasta los goya
No obstante, por encima de todo, con este cortometraje se ha querido crear una obra cinematográfica que haga a los espectadores «agarrarse a la butaca y emocionarse» durante casi media hora que, en realidad, pasa como si fueran diez minutos, entre explosiones, efectos especiales y digitales, todo ello, a través de un rodaje realizado sin salir de España, entre Escalona (Toledo) y el colegio Joife de Madrid y con un equipo de entre 130 personas en Escalona hasta 270 en la capital.
Con los actores, según ha recordado Crespo, han vivido muchas anécdotas y el casting, sobre todo el de los niños, fue un trabajo «muy complicado». Así, ha recordado cómo a un menor ni siquiera le hicieron la prueba tras conocer que había vivido de cerca esta realidad en su país de origen donde a los adultos les cortaban los brazos.
Crespo ha indicado que con este corto les gustaría llegar «a todas partes», a Los Goya e incluso a Los Óscar, aunque, de momento, el próximo día 12 empezará su recorrido nacional e internacional por todos los festivales del mundo. «Nosotros estamos muy orgullosos del resultado y creemos que va a gustar. Aspiramos a todo», ha subrayado.
Un guiño a los cooperantes
Pero el corto también busca hacer un guiño a los cooperantes españoles que, tal y como ha señalado Crespo, es gente «maravillosa, con unos ideales y una ética alucinante» y que muestran «una entrega por los demás fascinante». «Es muy hermoso y quería hablar de este tipo de gente con una integridad real», ha expresado.
‘Aquel no era yo’ se estrenará el próximo jueves en el cine Capitol de Madrid con el apoyo de las ONG españolas Fundación El Compromiso, Amnistía Internacional, Save the Children, Entreculturas, Alboán y Servicio Jesuita a Refugiados, con motivo del Día Mundial contra la Utilización de Niños y Niñas Soldado, que se celebra el 12 de febrero. Para acudir al acto, se pueden descargar invitaciones desde la web ‘www.aquelnoerayo.com’.
A pesar de que la película no se ha rodado en África ni se ha centrado en ningún país concreto, precisamente para reflejar que esta situación se da en muchos de ellos, los actores, de diferentes países africanos, el paisaje y los dialectos que se entremezclan con el inglés, introducen al espectador en mitad del continente.
Películas y cine en la EDUCACIÓN PARA LA PAZ.
Presentan la guerra de forma realista:
The battle of San Pietro (1944) de John Huston.
Let there be light (1945) de John Huston.
La cruz de hierro de Sam Peckimpah.
La vida en el frente:
Sin novedad en el frente (1930) de Lewis Milestone.
Cuatro de infantería (1930) de Georges W. Pabst
El gran desfile (1925) de King Vidor.
El precio de la gloria (1926) de Walsh.
L’Horizon (1967) de Jacques Rouffio.
La cruz de hierro (1976) de Peckimpack.
La chaqueta metálica (1988) de Stanley Kubrick.
Platoon (1988) de Oliver Stone.
Confraternización entre personas de bandos diferentes:
Tierra de nadie (1931) de Víctor Trivas.
La gran ilusión (1937) de Jean Renoir.
La vaquilla (1985) de Berlanga.
Paranoia de mandos militares:
La última carga (1968) de Tony Richardson.
Senderos de gloria (1958) de Stanley Kubrick.
Soldado azul (1970) de Ralph Nelson.
Pequeño gran hombre (1970) de Arthur Penn.
Apolcalipsis now! (1979) de Francis Ford Coppola.
Rebelión y deserción:
Hombres contra la guerra (1970) de Francesco Rosi.
Rey y patria (1964) de Joseph Losey.
Los vencedores (1964) de Carl Foreman.
La ejecución del soldado Slovic (1974) de Lamont Johnson.
The red badge of the courage (1953) de John Huston.
La guerra en forma de parodia:
Armas al hombro (1918) de Chaplin.
La gran guerra (1959) de Monicelli.
Cómo gané la guerra (1967) de Lester.
M.A.S.H. (1970) de Altman.
Trampa 22 (1970) de Nichols.
¿Dónde está el frente? (1970) de Lewis.
Víctimas inocentes:
Juegos prohibidos (1952) de René Clément.
Dos mujeres (1960) de Vittorio de Sica.
Todos a casa (1960) de Luigi Comencini.
La guerra causa de disgregación familiar:
El séptimo cielo (1927) de Frank Borzage.
Tiempo de amar, tiempo de morir (1958) de Douglas Sirk.
Cuatro hijos (1928) de John Ford.
Los 4 jinetes del Apocalipsis (1921 y 1962) de Rex Ingram y Vincent Minnelli.
Remordimiento (1932) de Ernst Lubitsch.
Consecuencias físicas o mentales de la guerra:
Los mejores años de nuestra vida (1945) de William Wyler.
Hombres (1950) de Fred Zinnermann.
Johnny cogió su fusil (1971) de Dalton Trumbo.
Paisaje después de la batalla (1970) de Andrzej Wajda.
Taxi driver (1975) de Martin Scorsese.
El regreso ( 1978) de Hal Ashby.
El cazador (1978) de Michael Cimino.
Hiroshima, mon amour (1959) de Alain Resmais.
El filo de la navaja (1947) de Edmund Goulding.
Before the rain. (1994) de Milko Manchevsi. Distribución Sogepaq.
A favor de la paz:
Yo acuso (1919 y 1938) de Abel Gance.
Civilización (1916) de Ince.
Intolerancia (1916) de Griffith.
El gran dictador de Charles Chaplin.
Guerra y paz (1956) de Vidor. Y Bordanchouck (1965).
Paseo por el amor y la muerte (1969) de Huston.
Matadero (1972) de Roy Hill.
Contra la guerra nuclear:
Punto límite (1963) de Sidney Lumet.
Teléfono rojo ¿volamos hacia Moscú? (1964) de Kubrick.
El juego de la guerra (1966) de Peter Watkins.
El día después (1984) de Nicholas Meyer.
Juegos de guerra (1984) de John Badman.
Testamento final (1984) de Lynne Litman.
Cuando el viento sopla (1988) de Raymond Briggs. Distribuye FILMS 4. Calle Palafox 21. 28010 MADRID.
Aspectos del militarismo:
Fort Apache (1948) de Ford.
El motín del Caine (1954) de Edward Dmytryck.
Reflejos en un ojo dorado (1967) de Huston.
Marcha triunfal (1975) de Marco Bellocchio.
Taps (1981) de Harold Beckker.
La ciudad y los perros (1985) de Francisco Lombardi.
El crimen de Cuenca (1979) de Pilar Miró.
El crimen de Almería (1984) de Pedro Costa.
Pacifismo y objeción de conciencia:
De hombres a hombres (1948) de Christian-Jaque.
Gandhi (1983) de Attenborough.
El restaurante de Alicia (1969) de Penn.
Hair (1979) de Forman.
The trail of Catonsville (1971) de G. Davidson.
Sargento York (1941) de Howard Hawks.
La gran prueba (1956) de Wyler.
OTROS TÍTULOS FUNDAMENTALES.
Intolerancia.
(Intolerance, 1916), de David W. Griffith
Después del escándalo provocado por su anterior film, El nacimiento de una nación, justamente acusado de racismo, y en plena Gran Guerra -antes de la intervención de los EE.UU.- Griffith ofreció al mundo una llamada a la tolerancia y la paz a través de este film. Estructurado en base a cuatro episodios entremezclados, correspondientes a situaciones históricas muy diversas (la lejana Babilonia, la pasión de Cristo, la matanza de hugonotes en la «noche de San Bartolomé» y un error judicial ocurrido en 1912) y con el tema común de la intolerancia y la violencia, el film pretendía llamar la atención sobre la necesidad de que situaciones semejantes no volviesen a darse; He ahí que el hilo conector de los cuatro relatos fuese la alegórica presencia de una madre meciendo la cuna de su hijo. A parte de los trascendentales valores fílmicos de una obra capital en la historia del cine, Intolerancia se convirtió en uno de los primeros tratamientos explícitos de la exposición de ideas abstractas a través de ese medio, y, junto con Civilización, de Thomas H. Ince, la más importante contribución del cine a la idea de la paz durante el transcurso de una Primera Guerra Mundial que significó la puesta de largo del cine como vía de adoctrinamiento y propaganda ideológica, política y belicista.
INTOLERANCIA (Intolerance, 1916) Dtor.: David W. Griffith / Guión: D.W. Griffith / Fot.: George Bitzer / Mús.: Joseph Carl Breil y D.W. Griffith / Int.: Lilian Gish, Mae Marsh, Fred Turner, Robert Herron, Margery Wilson, Constance Talmadge. 16 mm.
Sin novedad en el frente.
(All Quiet in the Western Front, 1930), de Lewis Milestone
Entre las abundantes películas que en el período de entreguerras abordaron el recuerdo de la Gran Guerra, sin duda fue ésta la que mayor impacto causó, no sólo por el hecho de ser la primera sonora -con el verismo que eso significaba -sino por estar basada en un «best-seller» enormemente discutido de Erich Maride Remarque, que llegaría a estar prohibido en la Alemania nazi. Narrando la vida cotidiana de las tropas del frente occidental en los largos períodos de la guerra de trincheras, la película rehuía el maniqueismo y triunfalismo habituales para centrarse en las desgracias de una situación no querida por sus propios protagonistas, donde el miedo y la muerte se amalgamaban. Mucho más que en films anteriores como El gran desfile o El precio de la gloria y tanto como en Cuatro de infantería -gran film hoy olvidado de Pabsto Tierra de nadie, el film de Milestone se convirtió en un jalón fundamental del cine antibelicista y, en buena medida, también del antimilitarista. Años después se hizo una reposición, sufrió un «remake», muy poco inspirado, a cargo de Daniel Mann.
SIN NOVEDAD EN EL FRENTE (All Quiet in the Western Front, 1930) Dtor.: Lewis Milestone Guión: Dell Andrews, Maxwell Anderson y George Abbott, según la novela de Erich María Remarque/ Fot.: Arthur Edeson / Mús.: David Browkman / Int.: Lew Ayres, Louis Wolheim, John Wray, Raymond Griffith.
La gran ilusión.
(La Grande Illusion, 1937), de Jean Renoir
Una de las más famosas películas sobre la guerra de todos los tiempos, se centra no tanto en la denuncia de la guerra como en la evidencia de los intereses de clase que se esconden detrás de los nacionalismos. Tres prisioneros de guerra franceses, encerrados en una fortaleza alemana bajo el mando de un aristocrático oficial prusiano, intentarán escapar, al mismo tiempo que se revelan las afinidades entre miembros de una misma clase más allá de sus nacionalidades y, con ello, la futilidad de la guerra que pretende dividir a los próximos en beneficio de intereses extraños. La indudable voluntad pacifista de Renoir convirtió a La gran ilusión en un film mítico, que, pese a ser premiado en el festival de Venecia, fue prohibido luego en la Alemania y la Italia de la época, por su contribución -derrotista según los censores- a las llamadas de atención en contra de la guerra y en favor de un internacionalismo bien entendido.
LA GRAN ILUSIÓN (La Grande lllusion, 1937) Dtor.: Jean Renoir /
Prod: R.A.C. / Guión: Charles Spaack y J. Renoir / Fot.: Christian Matras / Mús.: Joseph Kosma / Mont.: Marguerite M. Huguet / Int.: Jean Gabin, Pierre Frenay, Erich von Stroheim, Dalio, Dita Parlo, Gaston Modot, Jean Daste / 35 mm.
Yo acuso.
(J’Acusse, 1938), de Abel Gance
Versión sonora de un film anterior del propio Gane realizado en 1919, sin duda fue el film que más directamente trató de prevenir contra los horrores de una guerra vislumbrada -acerta-damente- como inminente, convirtiéndose por tanto en uno de los más explícitos llamamientos en favor de la paz que el cine haya propuesto. En absoluto despojado de la retórica y grandilocuencia características de la obra de Gane, Yo acuso bordeaba el «kitsch» en muchos momentos, pero, al mismo tiempo, se mostraba como un esforzado empeño de rememorar los horrores de la Gran Guerra como vía de disuasión entre los previstos como inminentes. Entre los momentos famosos del film -en sus dos versiones- cabe citar el momento en que los muertos durante la guerra surgen de sus tumbas colectivamente para lanzar su contundente acusación contra los mercaderes de armas y todos aquellos responsables de la carnicería bélica.
YO ACUSO (J’Accusse, 1938) Dtor.: Abel Gance / Guión: A. Gance y Steve Passeur / Fot.: Roger Huert / Mús.: Henry Verdun / Int.: Victor Franeen, Line Noro, Jean Max, Renie Devillers, Paul Amiot, André Nox.
Sargento York.
(Sargeant York, 1941), de Howard Hawks
Este film, claramente belicista y destinado a preparar la entrada de los EE.UU. en la Segunda Guerra Mundial, es, sin embargo, uno de los pocos de su tiempo que giraba en torno a un caso de objeción de conciencia. En efecto, durante la Primera Guerra Mundial un sencillo campesino americano de creencias puritanas rechaza enrolarse por el rechazo bíblico a la guerra; no obstante, forzado a ello y en brutal choque con la guerra, se concienciará de la necesidad de intervenir en ella en bien de su país y de la humanidad, hasta el punto de -sin buscarlo expresamente- convertirse en un héroe, haciendo ciento treinta y dos prisioneros en una acción. Claro discurso sobre la necesidad de anteponer unas razones generales sobre los motivos personales, en relación a la contribución a la guerra, este espléndido film de Hawks -con la gran contribución de Gary Cooper en el papel protagonista- marcaba los límites de cualquier pacifismo en el seno del cine norteamericano.
SARGENTO YORK (Sergeant York, 1941 ) Dtor.: Howard Hawks
Prod.: Jesse L. Lasky y Hal Wallis / Guión: Abem Finkel, Henry Chadlee, Howard Koch y John Huston, a partir de diversos relatos autobiográficos / Fot.: Sol Polito y Arthur Edeson / Mús.: Max Steiner / Mont.: William Holmes / Int.: Gary Cooper, Joan Leslie, Walter Brennan, George Tobias, Stanley Ridges, Ward Bond, Noah Beery Jr. 16 mm.
Juegos prohibidos.
(Jeux interdits, 1952), de René Clément
Las vicisitudes de dos niños durante la retirada francesa de 1940, rodeados de desolación y muerte, se convierte en una constatación y un manifiesto en contra de los horrores de la guerra, si bien con una dimensión más poética que -por ejemplo- en Germania anno cero, de Rossellini, más centrada en las maléficas consecuencias «a posteriori» de la guerra y el nazismo sobre un niño berlinés llevado al suicidio. La película de Clément -con una famosa partitura de Andrés Segovia -obtuvo un inmenso éxito mundial, si bien disgustó a los belicistas, hasta el punto de ser retirada del Festival de Cannes por su indirecto pacifismo -o mejor dicho, antibelicismo- militante. En cierto modo, Juegos prohibidos simboliza a tantos films que tomaron como tema el sufrimiento causado por las guerras sobre seres inocentes, con el dramatismo de presenciar aquí la influencia del clima bélico sobre los niños, tal como revela la famosa secuencia en que juegan a enterrar animales en un cementerio.
JUEGOS PROHIBIDOS (Jeux interdits, 1952) Dtor.: René Clément / Prod.: Les Films Corona-Silver Films / Guión: Jean Aurenche, Pierre Bost y R. Clément / Fot.: Robert Suillard / Mús.: Narciso Yepes / Mont.: Pierre Joly / Int.: Georges Poujouly, Brigitte Fosey, Amadee / Vídeo.
La gran prueba.
(The Friendly Persuasion, 1956), de William Wyler
De nuevo Gary Cooper enfrentado al dilema de elegir entre su fe como cuáquero y la defensa armada de su granja ante el avance enemigo durante los días de la guerra de Secesión. Tras presentarnos la vida idílica de una comunidad cuáquera del siglo pasado -en una línea semejante a la que se nos muestra en Único testigo, de Peter Weir, con una ambientación contemporánea-, Wyler va mostrando las consecuencias de la progresiva aproximación del frente y la necesidad de una toma de partido para los protagonistas, forzada por la impetuosidad del hijo de la familia granjera, pero que alcanzará en diferente medida a todos los miembros del hogar. Wyler lleva la reflexión a un terreno abiertamente religioso y lo contrapone con el arraigado apego a la propiedad y la defensa de un modo de vida, puesto en peligro por un enemigo poco menos que abstracto .
LA GRAN PRUEBA (The Friendly Persuasion, 1956) Dtor.: William Wyler / Prod.: Metro Goldwyn Mayer / Guión: Michael Wilson, según la novela de Jessamin West / Fot.: Ellsworth Fredericks / Mús.: Dimitri Tiomkin / Int.: Gary Cooper, Dorothy
McGuire, Anthony Perkins, Phyllis Love, Richard Eyer, Mark Richman, Marjorie Main /35 mm. y vídeo.
Senderos de Gloria.
(Paths of Glory, 1957), de Stanley Kubrick
Tras enviar a sus hombres a una masacre por ambiciones personales, un alto oficial aliado conduce ante el pelotón de ejecución a tres soldados para «dar ejemplo» y escarmentar al resto de la tropa, ante la desesperación e impotencia de un teniente. Basado en hechos auténticos, Senderos de gloria se planteó no ya el antibelicismo sino el antimilitarismo con una radicalidad absolutamente excepcional en su tiempo. Kubrick no intentó denunciar el horror de la guerra apelando a los buenos sentimientos, sino mostrando la mecánica insoportable de toda una institución -el ejército- creada para matar y hacer morir en favor de oscuros intereses, aquí revelados como mezquinas intrigas para ascender en la carrera militar. Con este film -y tomando como referente siempre la más lejana y menos ideologizada Gran Guerra- se abría una serie de títulos que, matices aparte, redundarían en semejantes planteamientos de los que Rey y patria, de Joseph Losey, y Hombre en contra, de Francesco Rosi, serían los mejores ejemplos; el primero desde una perspectiva humanista -el desertor por miedo fusilado- y el segundo con un planteamiento mucho más político: la oficialidad como auténtico enemigo -de clase- de la tropa.
SENDEROS DE GLORIA (Paths of Glory, 1957) Dtor.: Stanley Kubrick / Prod.: James B. Harrias para Bryna Production- United Artists / Guión: S. Kubrick, Jim Thompson y Calder Willingham, según la novela de Humphrey Cobb / Fot.: George Krause / Mús.: Gerald Fried /Mont.: Eva Kroll / Int.: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George Macready, Wayne Morris, Richard Anderson /35 mm.
Hiroshima, mi amor.
(Hiroshima, mon amour, 1959), de Alain Resnais
Una francesa que acude a Hiroshima para rodar un film se enamora de un japonés superviviente del bombardeo atómico. Sus relaciones se verán interferidas por el persistente recuerdo del inmediato pasado bélico, asociado en el caso de ella a la ocupación en su ciudad de Nevers (y al hecho de haber sido represaliada por relacionarse con un soldado alemán), de forma que el fantasma de la guerra aparezca como una implícita y constante alusión. Mucho menos llamativa y evidente que tantos otros films, Hiroshima, mon amour ha quedado, sin embargo, como una de las más agudas y trascendentes incursiones en el horror heredado de la guerra, al tiempo que introducía una dimensión critica de la hecatombe nuclear.
HIROSHIMA, MI AMOR (Hiroshima, mon amour, 1959) Dtor.: Alain Renais / Prod.: Argos Films / Guión: Marguerite Duras / Fot.: Sacha Vierny y Mishio Takahashi / Mús.: Giovanni Fusco y Georges Deleure / Mont.: Henry Colpi / Int.: Emmanuella Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud / 35 mm.
Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?
(Dr. Strangelove; or, How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1963), de Stanley Kubrick
Alocada comedia en torno a un loco general que provoca el cataclismo nuclear al hacer atacar a la URSS; esta película de Kubrick conectada con toda una serie de films -como Punto límite, de Lumet, o El juego de la guerra, de Peter Watkins. Está en la línea del documental reconstruido, que en esa época, inmediata a la llamada «crisis de los misiles», floreció en diversos lugares. El tono abiertamente humorístico y satírico no perjudicaba la seriedad del empeño de Kubrick, sino que, al tiempo de permitir la misma existencia del film -inimaginable en la época sin la coartada cómica-, servia para abordar aspectos diversos como la presencia de un científico alemán al servicio de los EE.UU. no menos enloquecido o la psicosis antisoviética potenciada por una propaganda decantada hacia los intereses inequívocos de la Guerra Fría.
¿ TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ (Dr. Strangelove. Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1963) / Dtor.: Stanley Kubrick / Prod.: Hawk films, para Columbia Pictures / Guión: S. Kubrick, Peter George y Terry Southern / Fot.: Gilbert Taylor / Mont.: Antony Harvey / Mús.: Laurie Johnson / Int.: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, James Earl Jones /35 mm. y video.
Película – LOS TRES ÁMBITOS DE LA MELANCOLÍA. Sobre las guerras.
Película: Los Limoneros. Hasta los árboles sufren en Palestina.
Película – PROMESAS. Violencia.
Película – EL CASTILLO AMBULANTE: Fábulas pacifistas de animación tradicional.
CINE PARA LA TUTORÍA: http://edukazine.blogspot.com/2006/01/recursos-para-el-aula-de-tutoria.html
FICHAS DE PELÍCULAS antibelicistas en EDUALTER.
Otras películas antibelicistas:
§ Lluvia negra (S. Imamura, 1989): supervivientes de Hiroshima.
§ Marea roja (T. Scott, 1995): golpe a la antigua URSS y amenaza de la guerra nuclear.
§ La vida es bella (R. Begnini, 1997): holocausto judío, fascismo y nazismo.
§ Doce hombres sin piedad (S. Lumet, 1957): pena de muerte.
§ §¡Quiero vivir! (R. Wise, 1958): pena de muerte.
§ A sangre fría (R. Brooks, 1967): pena de muerte.
§ No matarás (K. Kieslowski, 1987): pena de muerte.
§ La segunda vuelta (M. Calopresti, 1995): terrorismo en Italia.
§ Las hermanas alemanas (M. von Trotta, 1981): terrorismo de estado.
§ En el nombre del hijo (T. George, 1996): huelga de hambre de los presos del IRA.
§ El boxeador (J. Sheridan, 1997): las contradicciones de la violencia.
§ Espartaco (S. Kubrick, 1960): esclavitud.
§ Queimada (G. Pontecorvo, 1969): esclavitud.
§ Amistada (S. Spielberg, 1997): esclavitud.
§ Roma, ciudad abierta (R. Rossellini, 1945): 2ª Guerra Mundial, tortura y arbitrariedad.
§ La confesión (C. Gavras, 1970): tortura.
§ La tortura (L. Heynernan, 1976): periodista torturado en la guerra de Argelia.
§ La noche de los lápices (H. Oliveira (1986): adolescentes víctimas de la tortura en la dictadura argentina.
§ El fin de la violencia (W. Wenders, 1997): anulación del individuo por el poder.
§ Cristo se paró en Éboli (F. Rosi, 1979): destierro por razones políticas.
§ La batalla de Argelia (G. Pontecorbo, 1965): levantamiento anticolonial.
§ Estado de sitio. Costa Gavras. Brasil (1972).
§ Z. Costa-Gavras (1968). Terrorismo de estado.
§ “Vals con Bashir,” una película pacifista animated de Israel. dirigida por Ari Folman. 2009
§ La delgada línea roja.
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VIDEOS interesantes en Educación Básica.
La mayoría de ellos no se encuentran fácil mente.
No violencia:
Ferdinando, el toro.
Boom. Dibujos animados. Club de Amigos de la UNESCO. Pza. Tirso de Molina 8. Madrid
O si no. . . .(Desarme) Dibujos animados.
Holocausto. Serie de televisión.
La amenaza nuclear. Centro de Investigación para la Paz.
Los mercaderes de la muerte. Centro de Investigación para la Paz.
Proceso a los fuertes. E.CO.E.
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Tenemos una página que contiene mucha información sobre películas de educación en valores. La podéis encontrar aquí.
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Y por último os ofrecemos un enlace con una reflexión y repaso a diez filmes muy propicios a utilizar en clase para la educación para la paz. Las películas que se han elegido son: Las flores de Harrison, En tierra de nadie, Days of Glory (Días de Gloria), Las tortugas también vuelan, Cartas desde Iwo Jima, En el valle de Elah, La vida sin Grace, El niño con el pijama a rayas, En tierra hostil y War Horse (Caballo de batalla).
http://www.centrocp.com/diez-filmes-para-educar-para-la-paz/
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Películas cortas, de calidad, con fondo educativo y sin violencia.
Película – Cenizas del cielo
Greenpeace estuvo el pasado 6 de noviembre, en el preestreno de la película Cenizas del cielo del director asturiano José Antonio Quirós. Además Greenpeace participa en la promoción de la misma.
Cenizas del cielo narra la historia de un lugar donde la mayoría de sus habitantes viven casi pegados a una central térmica. Allí llega por azar Pol Ferguson, un escocés que escribe guías turísticas. La roulotte que conduce Ferguson le deja encallado en el valle, ocupado por la espectacular central térmica, cuando pretendía recorrer la costa y visitar los diversos monumentos históricos….
Si tenéis curiosidad sobre el tema en la página de Greenpeace tenéis un enlace con el trailer y con mucha más información sobre esta peli.
http://greenpeaceblong.wordpress.com/2008/10/20/estreno-de-la-pelicula-cenizas-del-cielo/
Película – El milagro de Ana Sullivan
http://edukacine.blogspot.com/
The miracle worker.
EE.UU., 1962, 103 min., B/N.
Dirigida por Arthur Penn.
Interpretada por Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson.
Guión de William Gibson (también de la versión teatral).
Música: Laurence Rosenthal.
Fotografía: Ernesto Caparros.
Calificación: todos los públicos
ARGUMENTO:
Una joven maestra especializada en la enseñanza de sordomudos se empeña en recuperar un caso desesperado: la pequeña Hellen Keller, ciega, sorda y muda. Para ello se tendrá que enfrentar a la inteligencia de la niña, a su naturaleza violenta y a unos padres sobreprotectores.
DATOS DE INTERÉS:
– Se basa en la historia real de Hellen Keller y Anne Sullivan. Hellen Keller se convirtió en una famosa escritora, aprendió a leer en más de 3 idiomas el sistema Braille y se graduó de una prestigiosa universidad; además Helen y Ana vivieron juntas por más de 47 años.
– La obra ya fue representada antes con éxito en Broadway (1959), con Penn en la dirección y Bancroft y Duke en los papeles principales. Y antes (1956) se emitió una versión para la televisión.
– Las dos actrices protagonistas se llevaron ambas el Oscar de la Academia (actriz principal y actriz secundaria).
SUGERENCIAS PARA EL DEBATE:
– La película contrapone dos modelos educativos respecto a alumnos que presentan algún tipo de dificultad de aprendizaje y además de esto conductas disruptivas graves.
– La primera medida educativa que adopta la maestra es alejar a la niña del entorno familiar.
– Observa la impotencia de Hellen ante su necesidad apasionada de comunicarse y no poder hacerlo. Cuando lo hace se abre un mundo para ella y responde con generosidad. Cuando no puede, reacciona con reclamos violentos hacia sus padres y educadores.
– ¿Qué estrategias utiliza Ana para educar a Helen?
– ¿De qué manera hace uso en ocasiones de su autoridad?
– ¿De qué manera creen ayudar los padres a su hija?
– Observa las conductas de la niña a lo largo de la película. ¿Qué crees que provoca el cambio de actitud en ella? ¿Cómo la motiva o provoca su curiosidad la maestra?
– ¿Cuál es la relación de los padres con la maestra?
– Analiza los clichés, estereotipos e inercias que impiden el aprendizaje y la socialización de la niña: ideas preconcebidas, proteccionismo, refuerzos negativos, pesimismo, etc.
– Observa al personaje del hermano mayor de Helen. Representa la normalidad frente a su hermana. ¿Cómo se comportan los padres con él?
WEBS DE APOYO:
– Cine y discapacidad: web completísima sobre este tema. Incluye otras temáticas esenciales y sugerencias para debatir y reflexionar.
– Películas y discapacidades: listado de películas que abordan diversas discapacidades.
– Guía de películas: fichas de películas con temática similar.
– Audiocomentario sobre Hellen Keller.
– Lengua de signos: web con diccionario, traductor y ejercicios.
– Documental El país de los sordos, de Nicolas Philibert.
OTRAS PELÍCULAS:
(que abordan el proceso de enseñanza-aprendizaje, o la relación profesor-alumno)
– El pequeño salvaje, F. Truffaut (1969)
– Educando a Rita, L. Gilbert (1983)
– Lecciones inolvidables, R. Menéndez (1988)
– El club de los poetas muertos, P. Weir (1989)
– El indomable Will Hunting, Gus Van Sant (1997)
– Educando a J., C. Lahti (2001)
– Descubriendo a Forrester, Gus Van Sant (2000)
MATERIAL AUDIOVISUAL: ….
Desde EducaRueca os recomendamos ir a la página de EDUCACINE donde podréis encontrar esta información y mucha otra de gran valor.
Película – Los niños del paraíso
A pesar del aparente exotismo del film, el director iraní Majid Majidi (El padre) cuenta una historia sencilla y universal. El retrato de los niños protagonistas, en su cautivadora inocencia, es magnífico y hace pensar en la dignidad y el espíritu de sacrificio que ayudan a sobrellevar la pobreza. Majidi asegura con contundencia que “el problema de la pobreza es el más acuciante de nuestra sociedad. No hacemos sino dar vueltas en torno a las desigualdades económicas y a la ausencia de justicia social. Es deber del arte continuar atacando esos problemas.”
http://www.nodo50.org/rebeldemule/foro/
Sinópsis:
Camino de casa, Alí, un colegial de familia pobre que vive en la zona sur de Teherán, pierde los zapatos recién reparados de su hermana pequeña Zahra. Creyendo que su familia no podrá comprar un nuevo par, le pide a ésta que no diga a sus padres lo sucedido.
En consecuencia, los dos hermanos se ven obligados a urdir un plan. Su acuerdo secreto consiste en que Zahra se ponga los zapatos de Ali por la mañana al ir a la escuela y éste lo haga por las tardes, lo que ocasiona momentos tensos y divertidos contratiempos.
Un fin de semana, el padre de Ali se lleva a éste consigo para un trabajo de jardinería en los barrios ricos del norte de Teherán con objeto de poder conseguir algún dinero extra. El corto viaje deviene una aventura que une estrechamente a ambos.
Entretanto, Zahra descubre que sus zapatos los lleva otra chica de su escuela. Se lo dice a Ali, y ambos siguen a la chica hasta su casa. Al darse cuenta de que el padre de ésta es un vendedor ambulante ciego y que su familia es incluso más pobre que la suya, se abstienen de reclamarle los zapatos.
Pocos días después, Ali se entera que se va a organizar una competición de maratón para los estudiantes cuyo tercer premio es un par de zapatillas deportivas nuevas. A pesar de algunos problemas, logra participar en la carrera tratando desesperadamente de ganar el tercer puesto.
¡y sólo el tercero!
Todos los detalles de esta película iraní dirigida por Majid Majidi en 1997 podréis encontralos en:
Película – CHINA BLUE
SINOPSIS
«China blue» nos adentra en una fábrica de tejanos, donde dos jóvenes, Jasmine y Orchid, intentan sobrevivir a las difíciles condiciones laborales. Sus vidas se cruzan con las de otras compañeras y con la del director de la fábrica dónde trabajan, el señor Lam. Desde los diferentes peldaños de la jerarquía de la empresa, el documental muestra, humanamente, los problemas complejos de un mundo globalizado. A la vez, proporciona un informe actualizado y alarmante sobre las presiones económicas que instauran las compañías occidentales y las consecuencias humanas que esto provoca.
FUENTE: labutaca.net
Algunos son de tiro bajo y otros, de tiro alto; algunos son nevados y otros, elastizados. Todos conocemos los jeans. Algunas son niñas y otras, adolescentes; algunas vienen del norte y otras, del sur. ¿Alguien conoce a las obreras chinas que fabrican lo que tenemos puesto ahora?
China Blue de Micha Peled
FUENTE: Muestra Internacional de Cine Independiente del Mar de la Plata
Día Mundial Contra Trabajo Infantil: derechos laborales en Camboya. Estreno «China Blue»
Noticias Setem
El próximo martes día 12 de junio y coincidiendo con la celebración del Día Mundial contra el Trabajo Infantil, la Campaña Ropa Limpia-SETEM en colaboración con AFESIP España, protagonizará en Madrid un día especial dedicado a revindicar los derechos laborales en sector textil.
Esta jornada, que tendrá lugar en la sede de SETEM en Madrid (C/Gaztambide 50) a las 11se iniciará a las 11:00 h. con la rueda de prensa que protagonizará Athit Kong, vicepresidente de la Unión Democrática de Trabajadores Camboyanos del Textil (CCAWDU- Coalition of Cambodian Apparel Workers Democratic Union) que visita por primera vez nuestro país.
Por la tarde, a las 18.30 h., después de una reunión informativa de la Campaña Ropa Limpia, tendrá lugar el estreno en Madrid de la película-documental «China Blue”, y a continuación el coloquio titulado «Las ‘vìctimas de la moda’ en China”
* 11:00 Rueda de prensa/Encuentro con Athit Kong, vicepresidente de CCAWDU. También contaremos con las intervenciones de:
o Lorena Pajares, Coordinadora Nacional de AFESIP España.
o Annie Yumi Joh, Responsable de Campaña Ropa Limpia en SETEM Madrid.
* 18:30 Proyección de la película-documental «China Blue” y coloquio. (ENTRADA LIBRE Y GRATUITO HASTA COMPLETAR AFORO)
Película – LAS ALAS DE LA VIDA
El trailer que podréis ver si entráis en la página Otro Mundo es Posible, es del primer premio de la Semana Internacional de Cine de Valladolid al mejor documental: “Las alas de la vida” del director valenciano Antoni P. Canet. Uno de sus guionistas me traslada la noticia. Tanto el Jurado como los medios de comunicación han tratado el largometraje documental como “uno de los ejemplos por los cuales el cine se justifica sobradamente como herramienta para mejor conocer la fragilidad de la vida. Narra, con las formas del documental, una muerte inminente y, sin embargo, es un hermoso, poético canto a la resignación ante la idea de que toda existencia se termina irremediablemente un día; y que es preciso saber asumirlo… El resultado es un documental que realiza el prodigio de no caer jamás ni en la conmiseración ni en la lágrima fácil“. O esta otra, “la enfermedad y la muerte están presentes, pero las ganas de vivir del médico se imponen contando su historia personal, si es posible con una sonrisa. Esto último lo consigue con la humanidad que se desparrama más alla de los 35 milímetros de la película…“. El documental nos habla, en mayúsculas, de la vida de “un médico que ha tenido que transmitir a muchos pacientes diagnósticos muy graves y ha tenido que acompañar a algunos de ellos hasta su muerte. Su vida cambia cuando se sentó ante su propio médico para escuchar el diagnóstico: A.M.S. (atrofia sistémica múltiple), una enfermedad neurodegenerativa, invalidante y mortal. Él, junto a su familia y amigos, reclama una vida y una muerte dignas”. Un debate que continua abierto.
Fuente: http://www.otromundoesposible.com
Página oficial de la película con interesante material para trabajar la película en el aula: Las alas de la vida
Nota de Educarueca: (Desgraciadamente desde Ubuntu no somos capaces de ver la página oficial. No sé si será por estar realizada con software propietario o por nuestra incapacidad en temas de video)